El Corporeality evasivo de Poetics escultural de Edoardo Tresoldi

Hay una calidad misteriosa en el trabajo de Edoardo Tresoldi italiano del escultor que proviene el hecho de que lo que usted ve es tan importante como qué usted no ve. La arquitectura de la parte, ilustraciones de la parte, alucinación de la parte, sus construcciones etéreas sumerge al visitante en a sueño-como el ambiente que exige ser reconstruido mentalmente bastante que consumido visualmente.

Concebido como intervenciones del espacio y construido fuera de malla de alambre, las esculturas de Tresoldi se diseñan en una lengua híbrida de arquetipos clásicos y de formas modernistas. Personificando la convergencia de la escultura, del scenography y de la arquitectura, superan el corporeality de estos artes firmemente materiales incorporando un cuarto, dimensión elegíaca centrada en ausencia. Su transparencia también significa que son en diálogo con el paisaje en donde se colocan, su genius loci insertado sin esfuerzo en la narrativa poética que conjuran. Prestando tanta atención a cuál falta en cuanto a cuál hay, las creaciones misteriosas de Tresoldi negocian un entente flúido entre los conceptos ferozmente antagónicos de realidad, la memoria y la fantasía; una lucha intemporal cuyo desenlace se deja en última instancia hasta el espectador.

Desde 2013, el trabajo de Tresoldi se ha centrado en instalaciones sitio-específicas en espacios públicos y los contextos arqueológicos, así como las comisiones privadas, los festivales del arte contemporáneo y de música y las exposiciones del grupo. Los puntos culminantes de su obra polifacética incluyen a Basilica di Siponto (2016), una instalación permanente que combine arte contemporáneo y arqueología restaurando una basílica del Paleo-cristiano en Puglia, Italia, aureola, una instalación sitio-específica, bipartita, flotante que asumió el control los pasillos de Le Bon Marché, los grandes almacenes parisienses prestigiosos en el otoño de 2017, y Archetipo (2017), una extensión, “plaza interior” en Abu Dhabi sintetizaron de bóvedas, de arcos, de columnatas, y de otros fragmentos arquitectónicos del clasicismo italiano.

Su proyecto más reciente para que las ilustraciones más grandes del festival de música de Coachella, de Etherea, de Tresoldi hasta la fecha y el más grande sean ofrecidos en el festival, es ilustraciones públicas efímeras que comprenden tres esculturas alineadas inspiradas por arquitectura neoclásica y barroca de la forma idéntica pero que disminuyen tamaño, que invitan a visitantes que recalibren realidad como ellas progreso con él. Tresoldi habló con Yatzer sobre su práctica artística, sus inspiraciones y su más nueva instalación para el festival de música de Coachella.

Aunque usted tenga un fondo artístico, su trabajo tiene una sensibilidad arquitectónica fuerte. ¿Cómo esto ocurrió y cómo complementa o apoya su visión artística?

Pienso que hay dos razones principales: mi fondo como scenographer y la fascinación que los paisajes y los lugares han ejercido siempre en mí. La sensibilidad arquitectónica con la cual se conciben mis esculturas se liga a una narración experimental, y en este sentido a la arquitectura es una lengua con la cual celebrar el carácter sagrado de la naturaleza y de su relación para servir.

¿Cómo lo hizo la malla de alambre se convirtió en un aspecto tan frecuente de su trabajo? ¿Cuáles son las dificultades técnicas que usted tuvo que superar?

Comencé a utilizarlo durante mi trabajo como scenographer. Su transparencia permite teja el lado indiferente de cosas, qué llamé la materia ausente, y jugar con haber visto y el no visto, para establecer a sueño-como la dimensión que permite que los espectadores estén en una relación constante con los alrededores.

La malla de alambre tiene su propia complejidad técnica única: Paradójico, su transparencia hace cada detalle técnico muy visible. En la fase de diseño, las formas son obligadas por la estructura y vice versa. Pero la fuerza de las ilustraciones miente en el equilibrio entre la estética y la forma estructural; todo gira alrededor de la yuxtaposición entre estos dos elementos.

Su trabajo gira alrededor de intervenciones del espacio. ¿Qué le incitó concentrar en trabajo sitio-específico? ¿Cuál es el proceso artístico por el cual el genius loci de cada espacio o paisaje es calibrado e incorporado en el diseño?

Paso mucho tiempo la inmersión en el sitio de cada instalación. Intento agarrar su esencia construyendo una lengua contemporánea ligada a una trayectoria emocional, una unidad efímera que pueda romper la vida cotidiana que supera dimensiones del tiempo-espacio.

Usted ha comparado la instalación de la aureola como “reliquias en la exhibición” mientras que otros proyectos se han descrito como “arquitectura en ruinas”. ¿Cuál es la fascinación de este acercamiento arqueológico y de dónde hace su fascinación con la “excavación para arriba” el pasado para venir?

¡Soy italiano! Las ruinas y los arquetipos clásicos se arraigan fuertemente en mi psique. También viví en Roma por siete años en que trabajé como escenógrafo. Roma es una inspiración potente, intemporal para cada artista. Con todo su horizonte apretado trajo a Walter Benjamin decir que “lo hace no soñándose para tomar el mejor camino en Roma?” Mi fascinación con ruinas vino a la vida con la basílica di Siponto que estimuló la ruina metafísica, un concepto que presenté durante el negocio de la semana del diseño en Hong Kong el pasado diciembre. Es una ruina contemporánea que reintroduce las formas de la arquitectura original a través de la transparencia de la malla de alambre, y acompaña al visitante con una nueva experiencia emocional y espacial, sumergida en el paisaje contemporáneo.

Tómenos con su proceso artístico. ¿Cuál es el aspecto más desafiador, el concepto, el diseño o la etapa de la construcción?

Cada aspecto del trabajo tiene sus propias reglas que necesiten ser seguidas. En relación con ilustraciones al aire libre, el primer paso se relaciona con el estudio y la comprensión de las características del sitio. Entonces la composición arquitectónica tiene en cuenta la dinámica física del lugar y los elementos del paisaje se convierten en componentes del proyecto.

Muchos de sus trabajos son instalaciones temporales. ¿Cómo usted siente sobre su instabilidad? ¿Está esto la última invención en un esfuerzo para retratar la ausencia de materia?

La instabilidad es una parte esencial del valor efímero de mi trabajo. Mis intervenciones confían en la existencia temporal de un lugar y pueden tener diversas vidas útiles dependiendo del tipo de ilustraciones y de narración. El “lugar geométrico”, observado en colaboración con el músico italiano IOSONOUNCANE para DERIVA festival en Italia, es un ejemplo perfecto de eso. Ha sido un “funcionamiento de lugares”, una criatura temporal dentro del paisaje natural majestuoso de la bahía de Sapri y uno de los elementos de definición del acontecimiento del valor performative. Una vez que el ciclo de vida de los lugares geométricos fue terminado, desapareció, saliendo del lugar a su equilibrio preexistente.

La iluminación es un aspecto importante en la exhibición de sus instalaciones, su naturaleza intangible que refleja el immateriality de sus creaciones. ¿Cómo usted va alrededor a desarrollar el diseño de iluminación? ¿Cómo diferente es la opinión de la noche de sus instalaciones previstas para estar con respecto a su aspecto diurno?

Durante el día, la luz del sol, el viento, las nubes y la lluvia permiten que las instalaciones sean experimentadas bajo diversos humores. Las esculturas se convierten en tan los espacios dinámicos que responden a toda clase de factores externos, donde los espectadores pueden experimentar la interacción entre exterior e interior y el descoloramiento de límites.

En la noche sin embargo, la iluminación artificial enriquece las superficies y los volúmenes, acentuando las composiciones y las distorsiones arquitectónicas de una manera más etérea y suspendida, haciéndolas los espacios majestuosos, pero aún íntimos y delicados.

Usted ha creado las instalaciones para los festivales de música y colaboró con frecuencia con los músicos. Semejantemente a su trabajo, una composición musical personifica una narrativa intangible a que inviten los oyentes a la carne hacia fuera en sus cabezas. ¿Este alcohol compartido sostiene en parte tales colaboraciones? ¿De qué maneras hace música y los músicos inspiran su trabajo?

La música y los artes visuales son amba parte de una sola unidad artística, tomando la inspiración de uno a y personificando el iridiscente y el indiferente de diversas maneras. Con mis trabajos y colaboraciones intento empañar los límites entre las disciplinas, experimentando las posibilidades interminables rompiendo las barreras entre ellas.

Díganos un pedazo sobre su instalación para el festival de Coachella. ¿Cómo la comisión ocurrió y qué usted está intentando lograr con este proyecto?

He estado en contacto con Coachella por un año ahora como me significaron para participar en la edición 2017, pero estaba ocupado en los UAE que trabajaban en Archetipo.

Etherea es mis ilustraciones más grandes hasta la fecha, un lugar en donde los visitantes pueden experimentar la relación con los paisajes ilimitados de California, narrado con la lengua de la arquitectura clásica. Sus del espacio de los cambios gracias perspicaces constantemente a las dimensiones graduales de las tres esculturas, que amplifique o reduzca la distancia entre los espectadores y el cielo.

Es como cuando usted vuelve a un lugar después de un rato largo y usted lo recordaba ser más grande o más pequeño que cuáles es realmente: la memoria de la arquitectura anterior consigue reajustada a la en el cual usted está entrando con una secuencia de efectos ópticos.

Etherea es también la culminación de mis colaboraciones con festivales de música. En este sentido, se significa como ilustraciones públicas efímeras enormes dentro de la ciudad temporal grande de Coachella: la dimensión ideal, para mí, continuar la narración escultural del efímero.